Le corps comme territoire intime, politique et mouvant : avec Ceci est mon corps, Agathe Charnet transforme l’expérience personnelle en matière scénique. La comédienne, autrice et metteuse en scène s’empare de ce que l’on montre, de ce que l’on dissimule et de ce que les autres projettent sur nous. Un spectacle qui ne cherche pas à livrer une définition du corps, mais à interroger tout ce qu’il raconte malgré nous.
Dans une époque où l’apparence est commentée, photographiée, évaluée et parfois marchandisée en permanence, la proposition résonne immédiatement. Le corps n’est jamais seulement biologique. Il est aussi une mémoire, une frontière, une construction sociale, un espace de désir et de conflit. Sur scène, Agathe Charnet avance au plus près de cette complexité, avec une écriture qui mêle récit, réflexion et adresse directe.
Un récit personnel qui dépasse l’intime
Ceci est mon corps part d’une histoire singulière. Celle d’une personne qui observe son propre corps, les transformations qu’il traverse et les regards qui l’accompagnent. Mais le spectacle ne se réduit pas à un journal intime théâtralisé. L’expérience individuelle devient un point de départ pour parler à toutes et tous.
Qui décide de ce qu’est un corps « normal » ? À quel moment commence-t-on à se regarder avec les yeux des autres ? Pourquoi certaines apparences sont-elles immédiatement associées à un genre, une attitude ou une place dans la société ? Ces questions structurent le spectacle sans prendre la forme d’un cours théorique. Elles surgissent dans la parole, les silences, les gestes et la présence physique de l’interprète.
Agathe Charnet s’intéresse notamment à la manière dont le corps se construit dans le regard collectif. Dès l’enfance, il est nommé, comparé, corrigé. On apprend à se tenir, à se vêtir, à séduire ou à se faire discret. On découvre aussi que certains corps sont davantage surveillés que d’autres. Le spectacle met en lumière ces mécanismes avec une grande précision, sans transformer la représentation en démonstration pesante.
Le corps, une scène à lui seul
Dans cette création, le corps n’est pas un simple outil de jeu : il devient le sujet principal. Il parle avant les mots, résiste parfois au récit et impose son rythme. La mise en scène s’appuie sur cette dimension très concrète de la représentation. Une posture, une respiration, une manière d’occuper l’espace peuvent suffire à faire surgir une histoire.
Le théâtre permet ici de rendre visible ce que le quotidien tend à banaliser. Une cicatrice, une gêne, une transformation physique ou une façon de se déplacer prennent une valeur nouvelle lorsqu’elles sont placées sous le regard du public. La scène devient un lieu d’observation, mais aussi de reprise de pouvoir : montrer son corps, c’est parfois décider enfin de la manière dont il sera regardé.
Cette attention portée à la matérialité du corps donne au spectacle une dimension presque sensorielle. Le public n’est pas seulement invité à écouter un texte. Il est placé face à une présence, avec ce qu’elle peut avoir de vulnérable, de frontal ou de dérangeant. Rien n’est totalement abstrait : la parole s’incarne, et l’incarnation oblige à regarder autrement.
Une parole sur l’identité et les normes
Le titre, Ceci est mon corps, sonne comme une affirmation. Il y a dans cette phrase une volonté de reprendre possession de ce qui est souvent commenté par les autres. Le corps appartient à celui ou celle qui l’habite, mais il est aussi sans cesse soumis à des normes : être féminin ou masculin, désirable ou non, jeune, mince, performant, disponible, conforme.
Agathe Charnet observe ces injonctions avec une écriture directe. Elle ne cherche pas à lisser les contradictions. Le corps peut être aimé et rejeté, assumé et subi, familier et étranger. Il peut devenir un refuge comme une source d’inquiétude. Cette ambivalence constitue l’une des forces du spectacle : loin des discours définitifs, la représentation laisse place aux zones grises.
La question de l’identité traverse ainsi toute la pièce. Comment se définir lorsque les catégories imposées de l’extérieur ne correspondent pas à ce que l’on ressent ? Comment habiter un corps qui évolue, qui change ou qui ne semble jamais totalement coïncider avec l’image que l’on en a ? Le spectacle ouvre ces interrogations sans enfermer le public dans une réponse unique.
Cette liberté est précieuse. Elle permet à chacun de projeter sa propre expérience, sans pour autant diluer le propos initial. Le récit reste situé, incarné, mais il devient suffisamment ouvert pour toucher des spectateurs aux parcours très différents.
Une écriture entre théâtre et récit de soi
Agathe Charnet appartient à une génération d’artistes qui brouille volontiers les frontières entre théâtre, performance et récit documentaire. Dans Ceci est mon corps, la parole semble conserver quelque chose de l’adresse directe. Elle peut prendre la forme d’une confidence, d’une pensée à voix haute ou d’un échange implicite avec la salle.
Ce choix crée une proximité immédiate. Le spectateur n’est pas placé face à un personnage entièrement construit, protégé par la fiction. Il rencontre une parole qui assume sa part de réel et ses fragilités. Cette proximité ne signifie pas pour autant absence de travail artistique. Au contraire, le spectacle repose sur une composition précise : les mots, les silences, les déplacements et les variations de rythme participent à une dramaturgie rigoureuse.
L’humour peut également apparaître dans les endroits les moins attendus. Il ne sert pas à désamorcer les enjeux, mais à rappeler que l’intime est rarement solennel en permanence. Les situations liées au corps peuvent être absurdes, embarrassantes, parfois franchement drôles. Cette respiration rend le spectacle plus accessible et évite l’écueil d’une représentation constamment grave.
Car parler du corps, c’est aussi parler de la vie quotidienne : s’habiller, se regarder dans une glace, se rendre chez le médecin, sortir dans l’espace public, rencontrer quelqu’un. Derrière les grandes questions d’identité se trouvent des gestes ordinaires, que la scène permet de reconsidérer.
Un spectacle qui invite à déplacer son regard
La réussite de Ceci est mon corps tient à sa capacité à déplacer le regard sans donner de leçon. Le spectacle ne demande pas au public d’adhérer à un discours préfabriqué. Il l’invite plutôt à examiner ses propres réflexes : que voit-on en premier chez une personne ? Qu’imagine-t-on à partir de son apparence ? Quelles attentes associe-t-on à un corps avant même qu’il ait parlé ?
Ces questions concernent tout le monde. Elles touchent à la représentation des femmes, aux identités queer, à la sexualité, au vieillissement, au handicap, aux normes de beauté et aux relations de pouvoir. La pièce ne prétend pas traiter chacun de ces sujets de manière exhaustive. Elle les fait affleurer à partir d’une expérience précise, ce qui lui donne une force particulière.
Le théâtre est un endroit idéal pour cette réflexion. Dans la salle, des inconnus partagent le même espace et regardent un corps réel, présent, non retouché et impossible à faire défiler d’un simple mouvement de doigt. À l’heure des images filtrées et des identités mises en scène sur les réseaux sociaux, cette confrontation directe a quelque chose de presque radical.
Faut-il pour autant s’attendre à un spectacle austère ? Non. La forme reste vivante, mobile et accessible. La réflexion ne se fait jamais au détriment du plaisir de la représentation. C’est même l’un des intérêts de la proposition : rendre sensible une pensée sans la transformer en discours figé.
Pourquoi voir cette pièce à Paris ?
Parce qu’elle parle d’un sujet universel sans l’aplatir. Parce qu’elle rappelle que l’identité n’est pas une étiquette apposée une fois pour toutes, mais une relation mouvante à soi, aux autres et au monde. Parce qu’elle offre un espace pour penser ce que l’on ressent parfois sans parvenir à le formuler.
Le spectacle peut particulièrement intéresser les amateurs de théâtre documentaire, de performance et d’écritures contemporaines. Il s’adresse aussi à celles et ceux qui souhaitent découvrir une scène plus personnelle, attentive aux récits minoritaires et aux expériences longtemps laissées hors champ.
Inutile, toutefois, de venir avec un mode d’emploi. La représentation se reçoit autant par le corps que par l’intellect. Certains passages pourront faire écho à une expérience personnelle ; d’autres provoqueront une distance ou une discussion. Cette diversité de réactions fait partie de l’intérêt du projet.
Informations pratiques à vérifier avant la représentation
La programmation de Ceci est mon corps pouvant évoluer selon les reprises et les lieux d’accueil, mieux vaut consulter la page officielle du théâtre ou du festival concerné avant de réserver. Les horaires, la durée, les tarifs et les conditions d’accès sont susceptibles de varier.
- Vérifiez l’adresse exacte de la représentation : le spectacle peut être présenté dans différents lieux selon la programmation parisienne.
- Consultez les horaires et la durée annoncée avant votre venue, notamment pour les séances en semaine.
- Regardez les éventuelles mentions d’avertissement liées aux thèmes abordés : le spectacle traite de l’intime, du corps et des normes sociales.
- Réservez en amont si la représentation est proposée dans une petite salle, les jauges étant souvent limitées pour ce type de création.
- Renseignez-vous sur les tarifs réduits, les cartes jeunes, les abonnements et les dispositifs d’accessibilité proposés par le lieu.
À voir si vous aimez les spectacles qui restent en tête
Ceci est mon corps ne se contente pas de raconter une expérience personnelle. Il montre comment un récit singulier peut devenir une matière collective. En plaçant le corps au centre, Agathe Charnet parle de l’identité, du regard social et de la liberté de se définir soi-même, sans simplifier les trajectoires ni masquer les contradictions.
La pièce rappelle aussi une évidence que l’on oublie parfois : le corps n’est jamais un objet neutre. Il est chargé d’histoires, de normes, de souvenirs et de projections. Le regarder autrement, c’est déjà commencer à interroger les règles qui l’encadrent.
À Paris, où les scènes aiment confronter les formes et les récits, ce spectacle trouve naturellement sa place. Une proposition intime, politique sans être démonstrative, qui donne envie de poursuivre la conversation en sortant de salle. Et peut-être de regarder son propre reflet avec un peu moins de sévérité.